익스페리멘탈리스트 Able Noise 인터뷰

토요일 저녁에 진행된 이 인터뷰에서 난 에이블 노이즈의 알렉스와 대화를 나눌 수 있는 영광을 누렸다. 그는 음악을 녹음하고 전달하는 과정과 어려움에 대해 매우 열정적으로 설명해 주었다.

https://www.youtube.com/watch?v=Se5F804EJFY

이 인터뷰에서 가장 마음에 들었던 점은 알렉스가 단순히 암기된 답변을 전달하는 것이 아니라, 자신이 원하는 효과를 내기 위해 디스토션을 활용하는 다양한 방법에 대한 '괴상한' 사실도 알려줬다는 점이다. 에이블 노이즈는 아테네/헤이그에 기반을 둔 미니멀리즘 일렉트로닉 듀오로, 바리톤 기타와 드럼이 특징이다.

오늘 인터뷰에 참여해 주셔서 정말 감사합니다. 여러분의 음악은 해가 갈수록 인기가 높아지고 있는 가장 매력적인 장르 중 하나입니다. 당신의 작업에 영향을 준 미니멀리즘이 아닌 아티스트가 있나요?

우리가 듣던 음악의 궤적은 꽤 오래되었습니다. 조지와 저는 네덜란드 헤이그의 미술 학교에서 처음 만났을 때 저는 조각을 하고 있었고 조지는 사진을 하고 있었어요. 저희 둘 다 음악을 하는 사람이 우리 둘뿐이라는 사실에 꽤 놀랐어요. 음악 연주나 악기 연주는 전혀 생소한 일이었거든요. 멋지지 않았죠. 아무도 하지 않았죠. 그리고 네덜란드는 항상 댄스 중심이었어요. 그래서 모든 사람이 디제이였고 디제잉 장비를 가지고 있었지만 실제 음악을 연주하는 것은 예외였죠. 

헤이그, 네덜란드

그래서 조지와 저는 그 문제에 대해 아주 일찍부터 공감했고 순식간에 친구가 되었어요. 저는 록 음악을 많이 들으며 자랐고 점점 더 실험적인 록, 얼터너티브 록, 인디 록, 더 이상한 록에 점점 더 빠져들었습니다. 조지는 비틀즈와 함께 자랐어요. 조증에 걸린 60년대 괴짜 같았죠. 이 이야기를 해도 될지 모르겠네요. 15살 때 부모님과 함께 양쪽에서 울면서 “세상에, 존 레논과 폴 매카트니를 비롯한 모든 사람들을 만날 수 있었으면 좋았을 텐데 절대 만날 수 없을 거야”라고 말하며 매우 속상해했던 사연이 있습니다. 그러자 그녀의 부모님은 60년대에 살고 싶어 하는 이 십 대를 어떻게 대해야 할지 정말 걱정하기 시작했습니다. 그래서 그녀는 그런 무거운 시기를 겪었고, 그녀가 많이 듣는 포크 아티스트는 닉 드레이크였습니다.

그래서 저는 그때 들었던, 그리고 지금도 여전히 듣고 있는 시카고 록 음악이 많아요. 그래서 저는 Jesus Lizard을 들으며 자랐고 Shellac을 들으며 자랐고 Tortoise는 나중에 나왔죠. 몇 년이 지난 후에 이 모든 음악이 사실 같은 곳에서, 같은 사람들이 만든 음악이라는 것을 알게 되었어요. 정말 대단한 일이었죠. Ativin이라는 밴드가 있어요. 인디애나 출신이죠. 그들도 시카고에서 잠시 살았던 것 같아요. 두 장, 세 장의 음반을 냈고 German Water이라는 앨범이 하나 있어요. 

제가 아는 대부분의 음악은 제 형과 남동생을 통해 들었어요. 저는 음악을 거의 찾아듣지 않아요. 그냥 형들이 들려주는 대로 들었죠. 그래서 제 큰 형이 미국에서 CD를 주문했는데 안 왔어요. 그래서 다시 주문했는데 한두 달 후에 어떻게 찾았는지 모르겠어요. 온라인 어딘가에서 찾은 것 같은데, Ativin이라는 밴드의 첫 번째 앨범이었는데 German Water이라는 곡이었어요. 특히 드러머인 저에게 가장 큰 영향을 준 음악이었어요. 누구나 Ativin의 음악을 들으면 “와, 저게 바로 저거였구나”라고 생각하죠.

조지가 음악을 가지고 실험하는 동안 노래를 부를 때, 가사는 미리 쓴 건가요, 아니면 즉흥적으로 부르는 건가요?

세상에, 즉흥적인 연주는 없습니다. 이 부분이 계속 언급되는 부분입니다. 우리는 정말 즉흥적으로 연주하지 않아요. 인터뷰와 사람들이 계속 글을 쓰고 계속 이야기를 꺼내지만 즉흥적인 것은 아무것도 없습니다. 사운드, 우리가 만들어내는 소리의 유형, 그리고 많은 것들이 함께 즉흥적으로 쓰여지는 방식 때문에 즉흥적으로 느껴지는 것 같아요. 그런 다음 모든 것을 녹음하고 모든 것을 이해한 다음 노트북을 통해서도 모든 것을 잘게 자르고 믹싱하여 이해한 다음 반복해서 연습합니다. 사실 웃기게도 사람들이 계속 얘기하지만 저희는 즉흥 연주를 해본 적이 없어요. 저희는 즉흥 연주를 하는 밴드가 아니거든요. 음악 안에서 즉흥적으로 연주할 여지가 있는 순간이 있긴 하지만, 상황에 따라, 공간에 따라, 관객에 따라 즉흥적으로 연주할 수도 있죠. 하지만 모든 것이 미리 짜여져 있고 리허설을 거칩니다. 

목소리도 마찬가지입니다. 목소리는 마지막으로 추가되는 것입니다. 보컬 멜로디를 만든 다음 멜로디를 만들기 위해 노랫말만 부를 수도 있죠. 그리고 잠시 후 “좋아, 이제 가사를 써야겠어”라고 생각하게 되죠. 그러고 나서 가사를 써야 하는데 정말 싫어요. 너무 불쾌하죠. 가사 쓰는 게 정말 싫어요. 모든 작업 중에서 가장 힘든 일이죠. 그래서 우리는 아마도 그녀가 일기장에 적었던 것, 제가 수첩에 적었던 것, 지금 제 휴대폰에 적었던 것 같은 메모를 가지고 어떤 문장이 리듬에 맞는지, 어떤 분위기에 맞는지, 특정 주제에 대해 생각했던 것이 그 특정 맥락에 맞는지 확인하려고 노력할 것입니다. 그런 다음 다시 한 번 최선을 다해 시도합니다. 최대한 잘하려고 노력하죠. 하지만 정말 까다롭습니다. 정말 정말 까다롭습니다.

음악에서 시각적 이미지, 혹은 특정 감정을 더 많이 전달하려고 하나요?

우리가 라이브로 연주하는 음악은 앨범과 상대적으로 다릅니다. 의도가 완전히 다르기 때문에 콘서트에서는 어떻게 하면 이런 환경과 역동성을 살릴 수 있을까 고민하죠. 그래서 다소 감정적일 것 같아요. 우리가 연주하는 시각적 요소가 있고, 그녀가 기타를 연주할 때 이상한 기술을 사용하거나 제가 드럼을 연주하는 등 세부적인 연주 방법의 시각적 요소에 매우 흥미를 느낍니다. 앨범에서는 그런 시각적 요소가 사라졌기 때문에 우리가 전달하고 싶거나 만들고 싶은 이미지에 대한 아이디어를 가지고 작업하려고 노력합니다.

'Tumbling'은 거의 불가능한 소리, 라이브에서는 존재할 수 없는 소리를 만들어내려고 노력했고, 거의 환각에 가까운, 대단한 경험을 만들려고 노력했습니다. 그래서 매우 시각적이고 화려한 사운드가 되었습니다. 예를 들어 세 번째 트랙인 'Providence'는 작업할 때 믹싱 방법, 드럼과 관련된 제 목소리의 볼륨을 어떻게 배치할지, 마치 제가 공간 안에 있는 듯한 이미지를 만들기 위해 마치 엔진이 작동하는 것처럼 소리를 내기 위해 많은 토론을 했어요.

https://www.youtube.com/watch?v=_9dUquSIq3c

그래서 사운드와 볼륨을 어떻게 배치할지 고민하는 것이 중요했습니다.  Richard Dawson을 아시나요? A Parents Address To His Firstborn Son On The Day Of His Birth이라는 곡이 있죠. The Glass Trunk의 첫 번째 곡이죠. 그 곡은 정말 깨끗한 목소리라서 좋아요. 그의 목소리는 완전히 투명하고 깨끗합니다. 그리고 그는 “두루두루두루”를 부르는데, 이것이 그의 목소리입니다. 갑자기 그가 대사를 부르고 나면 20명의 목소리가 더 들어옵니다. 합창단까지 합치니 '와, 방이 훨씬 더 넓어졌다'는 기묘한 느낌이 들죠. 그리고 혼자만 있는 줄 알았는데 방 전체가 사람들로 가득 차 있죠. 이제 막 태어난 아이에게 이 이야기를 들려주다가 갑자기 마을 전체가 그 방에 있는 것처럼 보이니 내러티브로서 꽤 멋지죠. 사운드와 마이크를 사용하여 이러한 공간적 이미지를 만들어내는 것이 바로 그것입니다.

https://www.youtube.com/watch?v=DwZHRl3Wxb0

정말 환상적이죠. 저는 음악이 어떻게 사람들이 다른 것들과 관계를 맺을 수 있는지, 그리고 가상으로든 아니든 사람들과 어떻게 연결될 수 있는지 정말 좋아합니다. 그렇다면 음악을 실험할 때 음악 이론도 영향을 미치나요?

아니요, 제가 소리가 어떻게 작동하는지에 대해 꽤 괴짜라서 그런지 약간의 과학적 지식이 있긴 해요. 그리고 저희 녹음 엔지니어 친구인 Sotiris가 Tzitzifrikia라는 정말 멋진 밴드에서 연주하는데 정말 잘해요. 그는 사운드 엔지니어이고 사운드와 사운드 제작 및 사운드 프로세싱에 관해서는 매우 괴짜입니다. 그래서 라이브 상황이나 앨범에서 특정 사운드를 어떻게 만들 수 있는지에 대해 아주 길고 괴상한 대화를 나누곤 했죠.

Tzitzifrikia - https://tzitzifrikia.bandcamp.com/

저는 소리의 상쇄, 신호의 반전, 신호의 배치, 신호의 변화와 같은 것에 상당히 빠져들었습니다. 원본 신호를 가져와서 복사본을 만들고, 약간 변경하고, 특정 방식으로 효과를 준 다음, 뒤집어서 그 위에 올려놓으면 소리의 일부가 상쇄되는 것이죠. 이 과정에서 끊임없이 고민하다가 제가 가장 좋아하는 형태의 디스토션을 발견했습니다. 우리는 사물이 부서질 것 같은 소리를 내길 원했지만 실제 디스토션 효과는 작동하지 않았습니다. 마음에 들지 않았죠. 그래서 새로운 사운드를 만들어내는 괴상한 과학적 방법을 시도한 거죠. 음악 이론, 아니, 조지는 사진을 찍기 전에 음악학을 1년간 공부했기 때문에 (음악 이론에 대한) 지식이 조금은 있습니다. 하지만 저희는 모르죠. 우리가 뭘 하고 있는지 전혀 모르겠어요. 저는 이론에 대한 개념이 없어요.

High Tide 앨범 제목에 숨겨진 이야기가 있나요?

네, 맞습니다. 곡 제목이나 앨범 제목과 같은 제목을 사용할 때마다 저의 의도는 음악 작품이나 음악 작품의 의도를 조금 더 전달하기 위해 가장 직접적인 의사소통 형태인 언어를 사용해야 하는 기회라는 것입니다. 따라서 콘셉트가 있을 수도 있고 이미지를 만들려고 할 수도 있습니다. 그런 다음 제목을 통해 이를 강조하고 조금 더 증폭시킬 수 있습니다. 또는 내러티브를 만들 수도 있습니다.

우리 둘 다 있는 이런 분위기에서 High Tide가 떠올랐고, 전 세계가 이런 분위기인 것 같아요. 저는 이 불확실성과 이 세상이 슬로우 모션으로 무너지는 것에 대한 두려움을 느끼고 있었습니다. 그 가장 분명한 예가 바로 기후 재앙과 해수면 상승입니다. 밀물과 썰물처럼 일정하게 유지되는 만조라는 개념이 아니라 밀물과 썰물이 들어오고 나가는 것이 아니라 끊임없이 들어오는 것이죠. 끊임없이 밀물이 들어왔다가 천천히, 천천히 빠져나갑니다. 너무 느려서 알아볼 수 없을 정도로 느리지만 매우 눈에 띄기 때문에 평화로운 일이기 때문에 이상합니다. 그래서 저희는 시간이라는 것, 시간의 느낌, 시간에 대한 압박감을 전달하고 싶었지만, 너무 위협적이지 않으면서도 매우 점진적이고, 존재하며, 불길한 것임을 인식할 수 있도록 하고 싶었습니다.

기후 재앙

노래 제목이 음악보다 먼저 오나요, 아니면 그 반대인가요?

항상 그 다음이죠. 노래 제목은 바코드와 같은 역할을 하는 경우가 많아요. 조지에게 어떤 곡을 연주할지 알려주는 참조 코드죠. 이름이 필요하기 때문에 오랫동안 작업한 제목이 있는 경우가 많아요. 하나는 부주키를 연주하기 때문에 부주키라고 불렀어요. 또 하나는 록 송(Rock Song)이에요. 재밌는 점은 앨범의 곡명을 정할 때도 예전부터 사용하던 이름을 그대로 사용하고 있다는 점입니다. 그래서 그중 하나가 록 송입니다. 다른 이름을 붙인 건 아니지만 항상 록 송이라고 부르죠, 록 송처럼요. 그래서 제목은 나중에 붙이는 거죠.

좋아요, 그리고 앨범을 발매하기까지 어떤 기획 과정을 거쳤나요? 앨범을 만드는 데 시간이 오래 걸렸나요?
 

오래 걸렸다는게 얼마나일까요? 2년 반이 걸렸습니다. 계속 그렇게 말했죠. 당시 제 파트너가 네덜란드에 살고 있었기 때문에 파트너와 거리가 멀었고, 파트너는 석사 과정을 시작했기 때문에 더 이상 그리스에 올 수 없었죠, 저는 그리스인이기 때문에. 그다음에는 레이블에서 제안을 받았는데, 조지와 저는 장거리 작업을 하고 있었기 때문에 제가 그리스로 돌아가면 조지가 그리스로 오거나 제가 네덜란드로 가는 것이 어느 정도 이해가 됐어요. 네덜란드에 돌아가서 파트너와 더 자주 만나고 음악 작업을 하는 것이 어느 순간부터 당연한 일이었죠. 그래서 저는 “좋아, 앨범을 만들 때가 됐으니 이제 완전히 몰입해서 해보자”라고 생각했어요.

지금 그렇게 하고 있습니다. 매우 느렸어요. 까다로운 점은 시간이 얼마나 걸릴지 매우 불분명하다는 것이었습니다. 너무 많은 작업을 하다 보니 어느 순간 재미가 없어졌어요. 저희는 많은 편집을 하고, 정말 정말 많이 조정하고 돌리고, 사운드를 몇 번이고 만지작거리면서 정말 즐겁게 작업했다고 생각했습니다. 그리고 많은 음악이 그렇게 무언가를 부수고 무언가를 발전시키고 무언가를 반복하고 무언가를 확장하는 방식으로 쓰여졌습니다. 그래서 노트북에서 처리하는 과정에서 많은 작업이 이루어졌습니다. 하지만 그 결과 저는 매우 육체적이고 에너지가 넘치는 사람이었기 때문에 2년 반 동안 노트북 앞에만 앉아 있어야 했습니다. 그래서 마지막에는 정말 정말 답답하고 정말 지루해졌어요. 2년 반 동안 10일만 녹음을 하고 나머지는 편집만 했어요.

High Tide

이제야 기억이 나네요. 보통은 음악을 작곡하고, 녹음하고, 편집하는 과정을 거치기 때문에 좀 어려웠어요. 하지만 저희는 이 세 가지가 동시에 이루어졌어요. 우리는 약간의 아이디어를 썼습니다. 아이디어를 조금 녹음했습니다. 그 아이디어를 가공한 다음에는 무언가를 써야 했고, 그 다음에는 그것을 사용하여 무언가를 써야 했고, 그 다음에는 그것을 편집하기 위해 무언가를 더 녹음해야 했습니다. 이렇게 계속 왔다 갔다 하는 사이클이 반복되다 보니 계속 얼마나 많은 작업이 필요한지 불분명해져서 매우 혼란스러웠습니다. 그리고 스튜디오에 가서 녹음할 때는 매우 불만족스러웠습니다. 보통은 하루를 보내면서 곡을 쓰고, 모든 트랙을 녹음하고, 그 음악을 들으면서 “와, 정말 좋은가, 그렇지 않은가”를 판단하죠. 저희는 “아, 저 기타 소리, 이걸로 작업할 수 있겠다, 저 드럼 소리, 이걸로 작업할 수 있겠다, 앰프를 통해 찾은 저 소리, 이걸로 작업할 수 있겠다”라는 식이었죠. 마지막에 이르러서는 작업을 진행해야 할 자료만 있을 뿐, 실제로 작업할 수 있는 자료는 없었습니다. 아무것도 듣지 않고 “오, 이거 대박이다”라고 말할 수 없었죠. 결국에는 항상 “작업하기에 충분한 자료가 있는 것 같다”는 결론을 내렸죠.
 

이렇게 오랜 시간 동안 이 모든 것을 실험하면서도 결국에는 훌륭한 사운드를 만들어낸다는 점이 정말 놀랍습니다. 마지막으로 미니멀리즘 음악을 이해하고 듣는 데 어려움을 느끼는 사람들에게 어떤 말을 해주고 싶으신가요? (필자는 미니멀리즘을 싫어하는 여동생이 있다)
 

충분히 그럴 만합니다. 상황에 따라 다르죠. 음악도 마찬가지입니다. 어떤 음악은 많이 들어야 효과를 볼 수 있죠. 억지로 강요할 수는 없죠. 그냥 그렇게 될 겁니다. 친구가 “이건 꼭 들어봐야 해, 이건 꼭 들어봐야 해”라고 말할 때 그 친구를 믿거나, 아니면 그 친구를 믿지 않고 시도해보는 것이죠.

하지만 네, 그런 일이 일어납니다. 지금은 제가 가장 좋아하는 밴드인 U.S. Maple이라는 밴드가 있는데, 그 앨범을 10번은 들어야 그 매력에 빠질 수 있었어요. 재밌는 건 제 휴대폰에 이 앨범이 있었기 때문이었는데, 유튜브에서 이 앨범을 추천해줬어요. 조각을 하고 있었기 때문에 휴대폰을 켜고 제 작업실에서 들었죠. 그러다 그냥 재생되더군요. 음악이 나오면 그냥 재생되곤 했죠. 장갑을 끼고 있거나 무언가를 작업하고 있을 때 음악이 나올 때마다 전원을 끌 수도 없었고, “저런 거지 같은 음악이 어디 있어?”라고 생각하며 들을 수도 없었어요. 그냥 계속 재생됐죠. 그런 일이 10번 정도 반복되었는데, 아홉 번째는 여전히 마음에 들지 않았는데 열 번째에서 그냥 찰칵 소리가 났어요. 갑자기 이해가 되더라고요. 맙소사, 이건 정말 대단한 일이에요. 하지만 음악이 너무 많기 때문에 항상 그런 일이 일어날 수는 없죠. 음악이 너무 많으니까요. 저는 지금 2024년 베스트 앨범 상위 100개 목록을 보고 있는데, 100개 앨범을 다 듣지는 않을 거예요. 한 번 들어보고 안 들을 수도 있고, 안 들을 수도 있고, 누군가가 “아니, 근데 저건 꼭 들어봐야 해”라고 말할 때까지 버릴 수도 있죠.

U.S. Maple

이것도 기계변역의 결과물입니다,

제가 지금것 했던 인터뷰 중 가장 좋았어요

다들 https://ablenoise.bandcamp.com/album 에서 음악 사요