장문주의

Blonde / Endless

Frank Ocean

Four years after the landmark Channel Orange, two new releases from Frank Ocean find him writing richly emotional songs for a quieter, more meditative space.

상징적인 앨범, Channel Orange로부터 4년이 흐른후, Frank Ocean의 두 개의 신보는 그가 더 고요하고 깊은 생각에 빠진 공간을 위한 풍부한 감정이 담긴 음악들을 쓰고 있었다는 것을 보여준다.

At first, Frank Ocean was simply a great storyteller. Then he became the story—an avatar for all of our fluid modern ideals. He could be the dynamic human of the future, exploding age-old binaries with an eloquent note, melting racial divisions with a devastating turn of phrase or quick flit to falsetto. He breathed hope. Then he went away.

초기에, Frank Ocean은 단순히 훌륭한 스토리텔러였다. 그리고 그는 직접 이야기가 되었다 - 우리들의 유동적인 현대적 이상들을 위한 아바타가 되었다. 그는 미래의 역동적인 인간이 될 수 있었고, 웅변적인 어조로 오래된 2진법을 깨트릴 수 있었으며, 빠르게 스쳐 지나가는 가성이나 대단히 인상적인 구절 변화로 인종적 분열을 녹일 수 있었다. 그는 희망을 들이켰으며, 떠났다.

- 프랭크는 채널 오렌지 발매 전 자신의 성적 취향을 편지를 통해 커밍아웃하였고, 오래된 2진법을 깨트렸단 뜻은 흑인 음악에서의 마초적, 또는 호모포비아적 성향을 깨부셨다는 것을 의미

Years clicked by. It was easy to worry. There are precedents for this sort of thing, for disappearances, for the self-implosion of black genius. Lauryn Hill. Dave Chappelle. “Black stardom is rough,” Chris Rock once said. “You represent the race, and you have responsibilities that go beyond your art. How dare you just be excellent?” The Rock quote is from a 2012 profile of the reclusive D’Angelo, who felt compelled to release his first album in 14 years following the shooting of Michael Brown; the moment spurred him on.

시간은 지났다. 걱정할 이유는 충분했다. 이런 종류의 일, 과작, 흑인 천재 뮤지션들의 자가 붕괴- Lauryn Hill이나 Dave Chappelle 같은 - 선례가 있었기 때문이다. Chris Rock은 "흑인 스타덤은 거칠다." 고 말한적이 있다. "넌 인종을 대표하고, 넌 예술에 국한되지 않는 책임이 있어. 어떻게 감히 너의 예술이 훌륭하기만 한거야?" . The Rock의 인용문은 Michael Brown의 총격 사건으로 인해 14년 만에 앨범을 발매해야한다고 느낀 D'Angelo의 2012년의 프로필에서 따왔다. 그 때가 그를 부추겼다.

-Lauryn Hill이나 Dave Chappelle처럼 앨범을 내고 잠적한 프랭크에게 대중들이 일종의 걱정을 한 이유

Faced with a hellish loop of police brutality, other musical leaders like Kendrick Lamar and Beyoncé came forth with brilliant righteousness as well. But not Frank. Though he posted several elegant messages online, reacting to horrors in Ferguson and Orlando, his relative silence only grew louder as tensions outside continued to rise. The stoic empathy he beamed throughout Channel Orange was missed. There was a yearning for his perspective—how he could soothe without losing sight of what’s important. How he allowed us to escape within his carefully drawn characters while never letting us off the hook. How his voice was allergic to nonsense, how it could shatter a heart into dust.

경찰의 가혹행위라는 지독한 반복에 직면해, Kendrick Lamar나 Beyoncé같은 다른 뮤지션들 또한 현명한 정의감을 가지고 왔다. 그러나 Frank는 아니었다. Ferguson과 Orlando에서의 공포에 반응하여 그가 소셜 미디어에 몇몇의 우아한 메시지를 남겼음에도 불구하고, 그의 상대적인 침묵은 떠오르기 시작하는 외부의 긴장에 의해 커졌다. 그가 Channel Orange에서 보여준 냉정한 공감은 그리워졌다. 그의 관점에 대한 갈망이 있었다. 그가 무엇이 중요한지에 대한 통찰을 잃지 않고도 어떻게 진정시켜줄지-  그가 신중하게 그려온 캐릭터들 안에서 우리를 놓아주지 않으면서도 어떻게 탈출시켜줄지- 그가 얼마나 헛소리에 반응하지 않을지- 어떻게 마음을 흔들어줄지-

-Ferguson에서의 소요 사태나 Orlando에서의 게이클럽 총기 난사 사건에 대한 코멘트를 남겼음에도, 사람들은 그의 음악을 기다렸고, 그가 가진 여전한 통찰력으로 자신들의 마음을 진정시켜주길 원했다

It still can. “RIP Trayvon, that nigga look just like me,” he sings on “Nikes,” the opening track from Blonde, his wary exhale of a new album. In the song’s video, Frank holds up a framed photo of the 17-year-old martyr, the boy’s sad eyes tucked inside a hoodie. Even now, four years after the Florida teen was shot and killed with Skittles in his pocket, the line jolts. It’s also the most overtly political statement Frank makes across the entire record. And “Nikes” is hardly a call to arms. The song is a woozy, faded, screwed-down odyssey, replete with helium warble and dewy third eye—and it’s actually one of the album’s most propulsive tracks.

여전히 가능하다. "RIP Trayvon, that nigga look just like me," 그는 Blonde의 첫 트랙인 "Nikes"에서 새 앨범에 대한 조심스러운 숨을 내쉬며 노래한다. 이 노래의 뮤직비디오에서, Frank는 열 일곱살 순교자의 사진 액자를 들어올리고, 그 소년의 슬픈 눈은 후드 모자에 가려져있다. Florida의 10대가 Skittles를 주머니에 넣어놓고 총에 맞아 죽은지 4년이 지난 현재에도, 그 문장은 정신이 들게 한다. 그건 또한 Frank가 그의 앨범 전체에서 사용한 가장 공공연한 정치적 성명이다. "Nikes"는 무장을 촉구하는 곡이 아니다. 그 곡은 헬륨을 이용한 지저귐과 이슬 맺힌 제 3의 눈으로 가득 찬 멍하고, 희미하며, 나사로 죄여진 오디세이이다- 또한 앨범에서 가장 추진력 있는 곡이기도 하다.

-Nikes의 한 구절을, 프랭크의 그간 있었던 경찰의 가혹행위와 그에 따른 여러 운동에 대한 생각을 나타내는 구절로 해석하고있다

On its surface, Blonde seems tremendously insular. Whereas Channel Orange showed off an expansive eclecticism, this album contracts at nearly every turn. Its spareness suggests a person in a small apartment with only a keyboard and a guitar and thoughts for company. But it isn’t just anyone emoting from the abyss, it’s Frank Ocean. In his hands, such intimacy attracts the ear, bubbles the brain, raises the flesh. These songs are not for marching, but they still serve a purpose. They’re about everyday lives, about the feat of just existing, which is a statement in its own right. Trayvon Martin would be 21 today, and Blonde is filled with feelings and ideas—deep love, heady philosophy, despondent loss—that he may have never had a chance to experience for himself. The stories Frank tells here find solace in sorrow. They’re fucked up and lonely, but not indulgent. They offer views into unseen places and overlooked souls. They console. They bleed. And yes, they cry.

표면적으로, Blonde는 엄청나게 고립된 것처럼 보인다. Channel Orange가 포괄적인 절충주의를 보여준 반면, 이 앨범은 대부분의 부분에서 축소된다. 이 간결함은 오직 키보드와 기타, 생각만을 동반한 작은 아파트에 사는 한 사람을 암시한다. 하지만 그 사람은, 심연에서 감정을 느끼는 누군가가 아닌 Frank Ocean이다. 그의 손에서, 그러한 친밀감이 귀를 유혹하고, 뇌를 거품처럼 만드며, 살을 돋게 한다. 이러한 곡들은 행진을 위한 것은 아니지만, 여전히 목적을 전달한다. 그것들은 일상생활, 단순히 존재하는것의 위업에 관한 것이고, 그 자체로 하나의 성명이다. Trayvon Martin은 오늘 21살이 되었을것이고, Blonde는 그가 경험할 기회가 없었을지도 모르는, 깊은 사랑, 황홀한 철학, 낙담한 상실과 같은 감정과 생각으로 가득 차 있다. Frank가 들려주는 이야기는 슬픔에서 위안을 찾는다. 그들은 지쳤고 외롭지만, 방종한것은 아니다. 그들은 보이지 않는 장소들과 간과되어진 영혼들에 관한 시각을 제공한다. 그들은 위로를 한다. 그들은 피를 흘린다. 그리고, 그들은 운다.

The power of Frank’s work often comes via extreme transparency, but he’s not writing diaries. It’s about how he’s able to locate the crux of any situation, or expose undue artifice, or peel things back to their naked core. Like how he skewed L.A. privilege without breaking a sweat on “Super Rich Kids” or broke down the Coachella generation’s bored numbness in five minutes on “Novacane.” Recently, he’s expanded this skill beyond music. It’s in the “Nikes” video, which both takes advantage of movie magic, like lighting a man (Frank?!) on fire, only to deflate the trickery by also showing the crew of extinguishers putting him out. It’s in the oversized, seven pound, coffee table magazine Boys Don’t Cry, which came out along with the new album; in it, screenshots of internet histories—perhaps the most accurate mirror of our modern selves—are on full display, along with literally naked bodies on and around his beloved sports cars, and charmingly unfiltered interviews with fellow artists and friends. (These chats can get a bit stoner-y, though amusingly so; in one, Frank asks Lil B, “is money sexy?”)

Frank의 작업물의 힘은 종종 극도의 투명성을 통해 나타나지만, 그는 일기를 쓰지 않는다. 그건 그가 어떤 상황의 핵심을 찾아내거나, 불필요한 꾸밈을 드러내거나, 사물의 본질을 벗겨내는 능력에 관한 것이다. 그가 "Super Rich Kids"에서 땀 한방울도 흘리지 않고 LA의 특권을 왜곡하거나 "Novacane"에서 단 5분만에 Coachella 세대의 지루한 무감각을 부순것처럼 말이다. 최근에, 그는 이 기술을 음악 너머로 확장해나갔다. 이건 "Nikes"의 뮤직비디오에서 확인해 볼 수 있는데, 이 영상은 영화 마술(CG)를 기용했다. 남자가 불에 타고, 소화기를 가진 승무원들이 그 남자의 불을 끄는 모습으로써 속임수를 꺾는 것처럼 말이다. 이건 7파운드짜리 대형 커피 테이블 잡지 Boys Don't Cry에 있고, 신보와 함께 나왔다. 그 안엔, 인터넷 역사의 스크린샷들- 아마도 우리의 현대적 자아를 정확히 투영하는 것들- 이 전시되어있고, 그가 사랑하는 스포츠카와 말 그대로 알몸인 몸들, 그리고 동료 음악가들이나 친구들과의 필터링되지않은 인터뷰가 함께 나와있다. (이런 대화는 약간 스토너스한 느낌이 들 수도 있지만, 재밌다. 어떤 인터뷰에서 Frank는 Lil B에게 "돈이 섹시할까?"라고 물어본다)

-프랭크의 음악에서 오는 힘, 그의 음악의 주 무기는 단순한 투명성이 아닌 그의 능력에서 오는것

And this transparency was also expressed in the current campaign’s prolonged rollout, which at one point had fans watching Frank watch paint dry as part of a live stream lead-up to a visual album called Endless. As a piece of filmed entertainment, Endless is painfully dull, and perhaps that’s the point. As we watch Frank build a spiral staircase with his bare hands, the piece offers a sort of anti-promo message that comments on how an album’s release strategy can often diminish the art it’s built to uphold nowadays. Or maybe, you know, it’s just really dull. Either way, the Endless soundtrack is much more exciting—46 minutes of music that plays like a mixtape, sliding from song to song, demo to demo, like scrolling through Frank’s hard drive of unreleased material. It’s an intriguing peek into his process, and it contains some of the rawest vocal takes he’s ever put out—like on the strung-out power ballad “Rushes”—but it lacks the clarity of Blonde. (In a neat inversion, it now looks like Frank used the relatively minor Endless to fulfill his major label contract and then self-released Blonde, the main event—though both were exclusives to Apple Music, putting into question what “self-released” even means at this point.)

그리고 이러한 투명성은 현재 켐페인의 장기간 롤 아웃에서도 표현되었는데, 어느 시점에서 팬들은 Frank가 Endless라는 비쥬얼 앨범의 발매를 앞두고 라이브 스트림의 일부분으로 페인트가 마르는 것을 지켜보는 것을 보았다. 필름 엔터테인먼트의 일부분으로 볼때, Endless는 고통스럽게 지루하고, 어쩌면 그게 핵심일수도 있다. Frank가 맨손으로 나선형 계단을 만드는것을 보며, 이 작품은 앨범의 발매 전략이 오늘날 앨범들의 예술성을 떨어트린다는 것에 대한 일종의 반-프로모션의 메시지를 전달한다. 어쩌면 그저 지루한 것일수도 있다. 어떤 쪽으로든, Endless의 사운드트랙은 훨씬 더 흥미롭다- 믹스테잎처럼 재생되는 46분 길이의 음악으로, 노래에서 노래, 데모에서 데모, 마치 Frank의 미공개 곡들이 있는 하드 드라이버를 스크롤하는 것 같다. 그의 과정을 관찰할 수 있는 꽤나 흥미로운 기회이며, 그가 지금까지 공개한 것중 가장 거친 보컬 테이크 중 일부를 포함한다- 긴장된 파워 발라드 "Rushes"처럼. 하지만 Blonde의 선명도는 부족하다. (깔끔한 반전으로, Frank는 비교적 소규모 프로젝트인 Endless를 이용해 자신과 레이블의 계약을 이행하고, Blonde는 스스로 발매한것처럼 보인다. 그러나 둘 다 Apple Music에서만 발매가 되어 자체 발매가 의미가 있는지도 의문이다.)

-Endless에 대해 설명하며, 프랭크의 의도를 추측

With Blonde’s unobtrusive instrumentation—large swaths go by without any drums whatsoever—the album could be mistaken for background music. But then Frank’s voice enters, and the overall quietness turns into a soft spotlight, capturing attention. It’s a technique pioneered by noted minimalists like Brian Eno and Rick Rubin, both of whom are included in Blonde’s who’s who list of contributors and inspirations. Many tracks feel emptied, with only the plain strumming of an electric guitar or foggy atmospherics left behind. But they mesmerize. Even a song like “Nights,” which sounds straightforward at first with its shards of silvery chords and midtempo beat, eventually turns into a strange shredding solo before ending with what sounds like a Drake dream heard underwater. “Nights” is not an anomaly. It’s the album’s centerpiece, by an artist who is following nobody but himself.

Blonde의 눈에 띄지 않는 악기 연주로- 대부분의 구간은 드럼이 없이 지나가서- 이 앨범은 배경음악으로 오해받을 수도 있다. 그러나 Frank의 보컬이 들어오며, 전반적인 고요함은 부드러운 스포트라이트로 바뀌게 되고 주의를 사로잡는다. 이건 Brian Eno나 Rick Rubin같은 유명한 미니멀리스트들이 만든 기술로, 둘 다 Blonde의 크레딧에 이름이 올라가있다. 많은 트랙들은 빈 것처럼 느껴지고, 일렉기타의 평범한 스트러밍이나 안개가 낀 분위기만 남는다. 하지만 그것들은 마음을 사로잡는다. 처음엔 은빛의 코드와 중간 템포의 비트로 간단하게 들리는 "Nights"같은 노래들도 물속에서 들리는 Drake의 꿈처럼 들리는 것으로 끝나기 전에 갑자기 찢어지는 솔로로 바뀐다. "Nights"는 변칙이 아니다. 그건 그 자신 말고는 누구든 따르지 않는 한 아티스트의 앨범의 중심이다.

-앨범의 전반적인 미니멀한 프로덕션에 관한 생각

Frank is 28 now, and his voice has grown stronger and more dexterous, while some of his tales have become more abstract. “Skyline To” is essentially a tone poem about sex, summer, and California haze backed by mood and mystery. “Godspeed” nods to gospel but stays grounded in its prayer to steadfast but broken love; a short story in the magazine, also called “Godspeed,” reads like uncanny science fiction but is actually based on Frank’s boyhood. Certain things are clear, though. The big questions are on his mind. He’s aware of his mortality now. He’s thinking about families, about what it means to live outside society, whether that’s a sustainable goal. He contemplates settling down with “two kids and a swimming pool” on “Seigfried,” a song that works in words by Elliott Smith and ends with a spaced-out soliloquy about living life in the red before a random solar flare brings chaos unto earth. This is not light fare. But the touch is oh so feathery. On “Solo,” he contemplates various stages of singledom, from the jacket-throwing hedonism to the smoked-out emptiness, with nothing but a churchly organ backing him up. It’s a stunning piece of songwriting that ultimately finds some peace with being alone. It sounds like a friend.

Frank는 이제 28살이고, 그의 목소리는 더욱 강인하고 능숙해졌다. 동시에 그의 이야기들중 일부는 더욱 추상적이게 되었다. "Skyline to"는 섹스, 여름, California의 아지랑이를 배경으로 펼쳐지는, 일종의 음조시이다. "Godspeed"는 가스펠의 형식을 사용하면서도, 깨진 채로 남아있는 사랑을 향한 기도 속에 뿌리를 두고 있다. 같은 제목의, Frank의 매거진에 수록된 단편 소설 "Godspeed"는 언뜻 보면 기묘한 SF처럼 읽히지만, 사실은 Frank의 유년기를 바탕으로 하고있다.

그럼에도 몇 가지는 분명하다. 그는 이제 삶의 본질적인 질문들과 마주하고있다. 자신의 유한함을 자각하였고, 가족이라는 개념, 사회의 바깥에서 살아간다는 것이 어떤 의미인지 고민하고있다. 그 삶이 과연 지속 가능할지도 함께 고민하며 말이다. "Seigfried"에선 "Two kids and a swimming pool"이라는 삶에 정착할 가능성을 상상하며, Elliott Smith의 가사를 인용하여 마무리는 마치 우주의 끝에서 말하는 독백처럼 흐른다. 삶을 한계까지 밀어붙이다, 결국 무작위의 태양 플레어에 지구가 혼란에 빠지는 상황까지 그려진다. 단순히 가벼운 주제가 아니지만 그의 손길은 놀라울만큼 섬세하다. "Solo"에서, 그는 재킷을 집어던지는 쾌락에서부터 연기로 가득찬 공허까지 그의 다양한 부분을 곱씹는다. 그를 받쳐주는 것은 오직 교회의 오르간 소리 뿐이다. 이 곡은 혼자인 삶에 대해 결국엔 평온에 이르게 하는 놀라운 송라이팅의 결과물이다. 이 노래는 마치 친구처럼 느껴진다.

Later on, “Solo (Reprise)” marks the album’s only major vocal guest appearance, with a devastating, head-spinning verse from André 3000. It pinpoints one of Blonde’s major themes: nostalgia. André looks back on his 20 years in hip-hop and feels duped by rappers who don’t write their own rhymes. “I’m hummin’ and whistlin’ to those not deserving,” he says, amid a conclusion that will likely haunt Drake’s nightmares for years. “I’ve stumbled and lived every word, was I working just way too hard?” There is disappointment in his voice, and some bitterness. André’s disillusionment could be a cautionary tale for Frank, who often uses the album as an opportunity to look back with a rosy tint: climbing trees, Michael Jackson, cannonballs off the porch, Stevie Wonder. It makes sense for an artist who titled his first major project Nostalgia, Ultra. when he was only 23. Longing looks good on him, though, especially when he’s able to harness it to aching effect on “Self Control” and “White Ferrari,” songs that fight off despondency with a sadness that feels three-dimensional.

이후 등장하는 "Solo (Reprise)"는 이 앨범에서 유일하게 비중있는 보컬 게스트가 참여한 곡으로, André 3000이 들려주는 가슴을 강타하는 구절이 돋보인다. 이 부분은 Blonde의 핵심 주제중 하나인 향수, 노스탤지어를 날카롭게 짚어낸다. André는 힙합 씬에서 보낸 20년을 돌아보며, 스스로 가사를 쓰지 않는 래퍼들에게 속은거같다는 기분을 토로한다. “I’m hummin’ and whistlin’ to those not deserving,” "난 자격 없는 자들을 위해 콧노래를 부르고 휘파람을 불고 있네" 라고 말하는 대목은 아마 Drake의 악몽에 오랫동안 남게 될 결말을 장식한다. “I’ve stumbled and lived every word, was I working just way too hard?” "내가 비틀거리고 살았던 모든 말들, 너무 열심히 해온게 아닐지." 그의 목소리에는 실망이 차있고, 어딘가 씁슬한 정서가 스며져 있다. André의 환멸은 Frank에겐 일종의 경고로 받아들여질 수 있다. Frank는 종종 이 앨범을 통해 과거를 아릅답게 회상하기 때문이다. 나무를 타던 시절, Michael Jackson, 현관에서 뛰어내리는 캐논볼 점프, 그리고 Stevie Wonder. 이런 모든 기억들은 따뜻하게 칠해져있다. 그의 첫 프로젝트의 이름이 Nostalgia, Ultra 인 것도 어쩌면 당연한 일이다. 그때 그는 고작 스물셋이었다. 그러나 Frank는 그리움을 자기만의 방식으로 자연스럽게 해석한다. 특히 "Self Control"과 "White Ferrari"같은 곡에선 이 아련한 감정을 견디기 힘들만큼 아름답게 표현한다. 이 곡들은 슬픔에 빠지지 않기 위함이요, 그 슬픔은 단순하지 않고, 입체적으로 살아있는 감정처럼 다가온다.

-안드레 3000의 피쳐링에 담긴 가사들과, 프랭크의 음악에서 느껴지는 과거회상적인 면을 서술하고있다

The album ends with a final look in the rearview, in the form of spliced-up old interviews with some of Frank’s young friends as well as his brother Ryan, who was around 11 at the time. A cozy keyboard rolls in the background as the boys talk about who they are and what they wish for. Carefree laughs—the kind that adults can’t seem to utter—are looped. Harsh static constantly intrudes, though, hinting at the distortions of time. These brief talks are also transcribed in the magazine alongside photos, and when asked about his dream superpowers, Ryan says, “I want to be invisible, I want to fly, and I want to be invincible.” His bright eyes peer out from under a Supreme cap and pink bandana. He looks like he might pull it all off.

이 앨범은 마치 백미러를 마지막으로 들여다보듯, 프랭크의 어린 친구들과 그의 동생 Ryan(당시 11살)이 등장하는 오래전의 인터뷰를 잘라 붙인 형식으로 끝을 맺는다. 아늑한 키보드의 선율이 배경을 채우고, 소년들은 자신이 누구이고, 무엇을 바라는지 이야기한다. 어른들에게선 더이상 나오기 힘든, 천진난만한 웃음소리가 반복되어 흘러나온다. 하지만 그 사이사이에 거친 잡음이 섞여들며, 시간이 왜곡됨을 암시한다. 이 짧은 대화들은 매거진에도 사진과 함께 기록되어있다. 한 인터뷰에서, 가장 가지고싶은 초능력에 대해 묻자, Ryan은 이렇게 대답한다. “I want to be invisible, I want to fly, and I want to be invincible.” "나는 투명해지고 싶고, 날고 싶고, 안보이고싶어." Supreme 모자 아래에서, 분홍색 반다나 너머로, 그의 눈망울은 밝게 빛난다. 왠지 그는 그 모든 것을 정말로 해낼 수 있을 것만 같다.

Rate : 9.0

오랜만에 Blonde 피치포크 리뷰를 보고 번역해보았습니다. 여전히 9점보다 높아야한다고 생각하지만, 피치포크의 점수와는 별개로 평론에는 전적으로 동의합니다. Blonde는 단순한 PBrnb가 아닌, 음악을 넘어선 우리의 삶의 방향성을 제시한 앨범이라고 저는 생각합니다. 모두가 느껴본 감정을 누구보다 특별하게 풀어나가며, 단순한 공감에서 그치는게 아닌, 나의 경험에 대입해보고 그 순간의 모든 것 -분위기,냄새,하늘,날씨- 을 다시 기억해보며 개개인이 자신의 경험에 의거해 앞으로 나아가도록 하는 그런 앨범이라 생각합니다. 단순한 음악으로만 기억되는 것이 아닌, 직접 체험을 하는, 그런 앨범으로 기억될 앨범이 아닐까 싶습니다. 주석은 온전히 저의 해석이기때문에, 또 저의 해석도 앨범에 관한 해석이 아닌 온전히 피치포크 리뷰에 관한 해석이기때문에 앨범에 관한 해석과는 별개로 생각해주시고, 단순히 "왜 피치포크가 이런 표현을 했을까?" 에 대한 궁금증을 제 방식대로 이해한 것을 쓴 것으로 생각해주시면 감사하겠습니다. 다음엔 James blake - Overgrown 전곡해석을 목표로 해두겠습니다.